April 13, 2024

Praktisi masa kini dari apa yang dulu kita sebut musik “modern” menemukan diri mereka tiba-tiba sendirian. Sebuah reaksi yang membingungkan ditujukan terhadap pembuatan musik apa pun yang membutuhkan disiplin ilmu dan alat penelitian untuk asal-usulnya. Cerita sekarang beredar yang memperkuat dan memperbesar tren yang merepotkan ini. Dulu seseorang bahkan tidak dapat mendekati sekolah musik besar di AS kecuali jika dipersiapkan dengan baik untuk menanggung perintah dan prinsip serialisme. Ketika seseorang mendengar sekarang tentang para profesor yang tanpa malu-malu mempelajari sejumlah Respighi untuk mengekstrak keajaiban daya tarik audiens massal mereka, kita tahu bahwa ada krisis. Krisis ini terjadi bahkan dalam persepsi musisi yang paling terdidik sekalipun. Penggubah saat ini tampaknya bersembunyi dari kebenaran sulit tertentu mengenai proses kreatif. Mereka telah meninggalkan pencarian mereka untuk alat yang akan membantu mereka menciptakan pengalaman mendengarkan yang benar-benar mencolok dan menantang. Saya percaya itu karena mereka bingung tentang banyak pengertian dalam pembuatan musik modern!

Pertama, mari kita periksa sikap yang diperlukan, tetapi telah ditinggalkan, untuk pengembangan disiplin khusus dalam penciptaan musik modern yang langgeng. Musik yang dapat dan harus kita ciptakan ini menyediakan wadah tempat keajaiban di dalam jiwa kita diseduh, dan inilah yang membingkai kerangka yang memandu evolusi kita dalam pemikiran kreatif. Proses generatif inilah yang berbunga di awal 1950-an. Pada 1960-an, banyak musisi baru yang terpikat pada keajaiban dunia baru yang segar dan menarik dari serialisme integral Stockhausen yang saat itu sedang digemari. Sepertinya ada kegembiraan yang tak terbatas. Tampaknya tidak ada batasan untuk dorongan kreatif; komposer bisa melakukan apa saja, atau sepertinya begitu. Pada saat itu, sebagian besar komposer belum benar-benar memeriksa serialisme dengan cermat untuk mengetahui batasan-batasan yang melekat padanya. Tapi sepertinya segar sekali. Namun, segera menjadi jelas bahwa pendekatan musik Stockhausen yang menariklah yang segar, dan bukan serialismenya sendiri, yang kemudian dinikahinya. Belakangan, menjadi jelas bahwa metode yang dia gunakan lahir dari dua pertimbangan khusus yang pada akhirnya melampaui perangkat serial: melintasi pola tempi dan metrik; dan, terutama, konsep yang memperlakukan nada dan timbre sebagai kasus khusus ritme. (Stockhausen menyebut persilangan itu sebagai “kontak”, dan ia bahkan memberi judul pada salah satu komposisinya yang mengeksplorasi Kontakte alam ini.) Isyarat ini, ternyata, benar-benar independen dari serialisme karena dapat dieksplorasi dari pendekatan yang berbeda.

Pendekatan yang paling spektakuler pada waktu itu adalah serialisme, dan tidak begitu banyak sidelights (yang terlihat saat itu) ini. Pendekatan ini – serialisme – bagaimanapun, setelah tampaknya membuka begitu banyak pintu baru, bertunaslah benih kematian musik modern itu sendiri. Metode ini sangat rentan terhadap ramalan mekanis. Alhasil, membuat komposisi jadi mudah, seperti mengikuti resep. Dalam komposisi berseri, komposer yang kurang bijaksana tampaknya dapat mengalihkan jiwanya dari proses komposisi. Inspirasi dapat dikuburkan, karena metode memegang kendali tertinggi. Kerumitan yang berantakan dari pembentukan catatan, dan pencerahan yang dialami seseorang dari kemitraan yang diperlukan dengan esensi seseorang (di dalam pikiran dan jiwa – dalam arti tertentu, familiar kita) dapat dibuang dengan mudah. Semuanya hafalan. Semuanya terkotak-kotak. Untuk waktu yang lama ini adalah metode terhormat, yang telah lama dikuduskan oleh guru kelas dan calon komposer muda, setidaknya di AS. Segera, rasa kemandulan muncul di atmosfer musik; banyak komposer mulai memeriksa apa yang sedang terjadi.

Penggantian romantisme sentimental dengan musik atonal telah menjadi langkah penting dalam pelepasan musik dari cul-de-sac yang lamban. Musik yang menyembunyikan dirinya dalam pemuasan diri yang dangkal, seperti yang tampaknya terjadi dengan romantisme, akan rusak. Inilah saatnya untuk eksplorasi. Alternatif baru – kepribadian – tiba. Itu adalah penawarnya yang segar, jika tampak keras. Arnold Schonberg telah menyimpan musik, untuk saat ini. Namun, tak lama kemudian, Schonberg membuat kesalahan taktis yang serius. ‘Penyelamatan’ terpotong oleh pengenalan metode dimana proses yang baru dibebaskan dapat dikendalikan dan diatur! Saya harus mengungkapkan simpati di sini untuk Schönberg, yang merasa terombang-ambing di lautan kebebasan yang disediakan oleh ketidaksenonohan dari atonalitas. Bentuk besar bergantung pada beberapa pengertian urutan. Baginya diperlukan metode pemesanan. Apakah serialisme merupakan jawaban yang bagus? Saya tidak begitu yakin itu. Pengenalannya memberikan magnet yang akan menarik semua orang yang merasa mereka membutuhkan peta eksplisit tempat mereka dapat membangun pola. Pada saat Stockhausen dan Boulez tiba di panggung, serialisme disebut-sebut sebagai obat untuk semua masalah musik, bahkan karena kurangnya inspirasi!

Berhenti sejenak dan pikirkan dua bagian Schonberg yang mengungkap masalah ini: Pierrot Lunaire, Op. 21 (1912 – atonalitas pra-serial) dan Suite, Op. 29 (1924 serial atonality). Pierrot … tampaknya sangat penting, tidak terikat, hampir gila dalam hiruk-pikuk khususnya, sementara Suite terdengar steril, kering, dipaksakan. Di bagian terakhir kegembiraan itu hilang. Inilah yang tampaknya dilakukan serialisme terhadap musik. Namun perhatian yang diterimanya tidak sebanding dengan kekuatan generatifnya. Boulez bahkan pernah menyatakan semua komposisi lainnya “tidak berguna”! Jika ‘penyakit’ –serialisme – buruk, salah satu ‘obat’nya –kemungkinan gratis – lebih buruk. Dalam rangkaian ceramahnya di Darmstadt, Jerman, pada tahun 1958, John Cage berhasil membuktikan bahwa hasil karya musik yang ditulis secara kebetulan sangat sedikit berbeda dengan yang ditulis menggunakan serialisme. Namun, kesempatan itu tampaknya membuat publik bingung dan marah. Kesempatan adalah kesempatan. Tidak ada yang bisa dipegang, tidak ada yang membimbing pikiran. Bahkan kepribadian musik yang kuat, seperti Cage, sering mengalami kesulitan untuk mengekang penyebaran dan difusi yang mengamuk yang kebetulan tersebar, tampaknya tanpa tujuan. Tapi, sekali lagi, banyak sekolah, terutama di AS, mendeteksi sensasi dalam pembuatan dengan masuknya kesempatan bebas ke dunia musik, dan ketidakpastian menjadi mantra baru bagi siapa pun yang tertarik untuk menciptakan sesuatu, apa pun, asalkan itu baru. .

Saya percaya secara tertutup bahwa seseorang dapat menyerahkan Cage beberapa saat sehingga seseorang mungkin enggan untuk menyerahkannya kepada orang lain. Seringkali kesempatan telah menjadi benteng dari kurangnya disiplin dalam bermusik. Terlalu sering saya melihat hasil ini di kelas universitas di AS yang ‘mengajar’ musik yang ditemukan (!) ‘. Ketegasan disiplin dalam pembuatan musik tidak boleh dihindarkan untuk mencari musik yang ‘ditemukan’, alih-alih digubah. Namun, dengan cara yang paling aneh, kekuatan kepribadian Cage, dan rasa ketelitian dan disiplinnya yang mengejutkan tampaknya menyelamatkan seni ‘kebetulan’-nya, di mana komposer lain hanya tergeletak di lautan ketidakpastian.

Namun, sebagai solusi untuk rigor mortis yang secara kosmis diwariskan ke musik melalui kontrol serial, kemungkinan adalah saudara tiri yang sangat buruk. Komposer Cageian yang bisa membuat musik kebetulan berbicara dengan jiwa adalah burung langka. Apa yang tampaknya hilang bagi banyak orang adalah parfum yang membuat musik sangat menggugah. Suasana yang bisa ditimbulkan oleh Debussy, atau ketakutan yang bisa ditimbulkan (atau diprovokasi) oleh Schonberg, tampaknya menguap dengan cara-cara modern teknokratik atau berjiwa bebas dari para musisi baru. Iannis Xenakis mengguncang dunia musik dengan solusi ampuh berkedok musik ‘stokastik’. Karena pekerjaan Xenakis akan berkembang kemudian menjadi perjalanan ke dalam hubungan dan keterputusan, memberikan template untuk Kontinum Julio Estrada, jalan menuju pengenalan kembali kekuatan, keindahan dan keharuman menjadi suara menjadi jelas. Semua ini dalam pendekatan konseptual ‘modernis’!

Namun, sekali lagi, lingkungan universitas AS mengambil alih (sebagian besar di bawah pengaruh metodolog serial, Milton Babbitt) untuk mengingatkan kita bahwa tidak baik membuat musik dengan membuatnya melalui ‘pinjaman’ dari disiplin ekstra-musik. Sepanjang bukunya, Conversations with Xenakis, penulis, Balint András Vargas, bersama dengan Xenakis, mendekati evolusi karya Xenakis dari pertimbangan ekstra-musikal. Konsep fisik digunakan, seperti kebisingan yang menyebar melalui kerumunan, atau hujan es yang menghujani atap logam. Beberapa berhubungan dengan kenangan perang mengerikan tentang pengalaman yang diderita Xenakis, yang berpuncak pada luka serius. Untuk membentuk suara yang begitu kuat, konsep yang mirip dengan fenomena alam harus disusun. Dari sudut pandang kelas musik, dua hal tentang Xenakis yang paling mengganggu: satu adalah relatif kurangnya pelatihan musik formal; sisi lain, atau sisi sebaliknya, adalah latar belakang pendidikannya yang berorientasi ilmiah. Dengan cara yang tidak pernah dilakukan oleh orang lain dalam sejarah musik, Xenakis menyusun konsep yang melahirkan suasana musik yang tidak pernah diantisipasi oleh siapa pun dapat ada dalam latar musik. Salah satu fitur yang paling menonjol adalah pengaturan suara yang mengemulasi pergerakan Brown dari suatu partikel pada permukaan cairan. Konsep fisik yang mendalam ini membutuhkan matematika berkekuatan tinggi untuk membatasi pergerakan ‘partikel’ suara (analog) dan membuatnya setia pada konsep yang ada dalam pikiran Xenakis. Akibatnya, ada ketidaktepatan tertentu, meskipun secara fisik licin, pada pergerakan partikel suara. Kehalusan dan transisi musik yang bagus memberi jalan bagi evolusi dan transformasi yang tidak dapat diprediksi. Konsep ini menghilangkan konsep tradisional dari pengaturan pola musik! Bayangan warna-warni tidak disukai di ruang kelas Amerika yang kelabu.

Karena tergesa-gesa menjaga musik tetap musikal, dan untuk memperbaiki tren tertentu yang tidak diinginkan, para intelektual musik resmi, (pers, elit universitas AS, profesor, dll.) Berhasil menemukan cara untuk menggantikan pahlawan palsu dengan Xenakis yang bermasalah. Sekitar waktu masuknya Xenakis ke dalam inkarnasi stokastik tving, sekelompok komposer muncul yang berjanji untuk membebaskan kita dari kejahatan, dengan solusi berpikiran sederhana yang didirikan pada bangunan intuisi yang goyah. Kelompok yang disebut ‘kelompok’ calon ahli sihir musik termasuk Krzysztof Penderecki, Henryk Górecki dan Gyorgy Ligeti. Para pecinta musik baru ini, dengan metodologinya yang mudah, memberi kami citarasa pertama dari post-modernisme yang segera muncul yang telah menjadi tiket kami ke Tanah Perjanjian selama tiga puluh tahun terakhir. Tampaknya, sama seperti musik akhirnya memiliki master kaliber dan pentingnya Bach, Schonberg, Bartok dan Varese dalam pribadi Iannis Xenakis, teks sejarah dan musikologi tampaknya tidak dapat mundur cukup cepat untuk merangkul penyelamat baru. , sementara konspirasi melawan semua kreativitas yang merangkul ditemukan dengan cepat, dan tertanam dengan baik dalam kekacauan proses stokastik. Untuk mendengarkan lagu secara offline di smartphone, Anda bisa download lagu mp3 di situs Gudang Lagu Stafaband yang bisa download lagu super cepat dan terbaik, gratis dan terpercaya.

Sayangnya, Xenakis telah diasingkan dari sejarah Amerika, sebanyak kekuatan mampu melakukannya! Persaingannya, orang-orang di sekolah cluster intuitif, menjadi perlengkapan lanskap musik baru, karena seni mereka jauh lebih mudah daripada seni Xenakis. Kemudahan mengarang, menganalisis, dan mendengarkan adalah kata-kata baru yang menandakan kesuksesan di dunia musik. Mereka yang memuji kebajikan seperti itu menandakan datang dan berkembangnya post-modernisme dan segala bentuknya, baik itu neo-romantis, pengelompokan atau eklektisisme. Seruan kebanggaan hari ini, adalah “Sekarang kita bisa melakukan apapun yang kita inginkan.” Mungkin lebih baik, tidak melakukan apa-apa selain merangkul kepengecutan intelektual seperti itu.

Janji untuk kembali ke wewangian musik yang berjalan dalam harmoni dan sinkronisitas dengan potensi intelektual sangatlah berharga dan vital. Ini seharusnya menandai fase evolusi berikutnya dalam humaniora kreatif. Tantangan untuk menulis tentang potensi perkawinan humaniora ini sangat besar. Sepertinya tidak ada teks yang memadai. Jadi saya harus menyediakannya. Semua yang kurang untuk sebuah buku yang bagus adalah tema pemersatu.
Algoritme mengontrol jalannya suara. Algoritma adalah skema yang mengerjakan atribut suara untuk memungkinkannya berkembang secara bermakna. Algoritme adalah fungsi langkah yang dapat berkisar dari diagram sederhana hingga fungsi stokastik atau Boolean. Bahkan serialisme adalah algoritme. Meskipun penting, algoritme menempati urutan kedua dalam kepentingan fokus musik: suaranya. Konsentrasi ini diberi terminologi oleh komposer, Gerard Pape: komposisi berbasis suara. Bukankah semua musik berbasis suara? Semuanya terdengar, bagaimanapun juga.

Ya, tapi tidak juga. Inti dari istilah ini adalah untuk menyoroti penekanan dari pendekatan tersebut pada suara, bukan pada sarana yang digunakan untuk asal-usulnya. Dalam komposisi berbasis suara, seseorang berkonsentrasi pada suara, kemudian membayangkan cara membuatnya. Dalam serialisme, pemesanan lebih diutamakan daripada kualitas. Hasilnya seringkali hambar: suara kosong. Pointilisme tanpa arah merampas musik dari peran vitalnya, menyulap citra, dalam bentuk apa pun. Praktisi terkemuka lainnya dari komposisi berbasis suara adalah Dr. Julio Estrada. Dalam kelas komposisi dan seminar di UNAM (Universidad National Autonoma de México), dia menekankan pembentukan mental dari sebuah imajinasi, semacam citra yang diidealkan. Kemudian pencipta / mahasiswa diarahkan untuk merumuskan esensi suara konspirator yang menyampaikan sesuatu dari élan imajiner ini. Hanya kemudian, setelah konstruksi bunyi dibuat, metode pembentukan bunyi dalam bentuk notasi digunakan. Pemahaman tentang citra dan wewangian mendahului spesifikasinya. Ini adalah contoh komposisi berbasis suara yang canggih.

Kasus khusus yang aneh muncul dari metode misterius Giacinto Scelsi, yang menjelaskan secara eksplisit apa yang telah lama bersembunyi di latar belakang. Dia mengajukan ‘dimensi ke-3’ untuk terdengar. Dia merasa bahwa masalah dengan serialis itu terletak pada ketergantungan mereka pada dua dimensi suara: nada dan durasi. Untuk Scelsi, timbre memberikan kedalaman, atau dimensi ke-3, yang jarang dieksplorasi sampai karyanya yang inovatif. Dia menemukan cara untuk memanggil warna nada yang tidak biasa, dan evolusi warna suara yang menghasilkan fokusnya pada karakteristik, dan transformasi antara (di dalam!), Atribut nada tunggal. Memang, Quattro Pezzi-nya adalah studi yang benar dalam tandingan dalam satu nada!

Konsep komposisi berbasis suara ini memberikan benih pemersatu di mana sebuah buku dapat dibangun. Ini akan menjadi salah satu yang dapat menyelamatkan sesuatu dari prinsip pertama penyatuan disiplin intelektual dan konteks suara yang hidup: yaitu, musik dengan makna, tantangan, disiplin, suasana dan sesuatu yang membutuhkan keberanian dan komitmen dalam konsepsinya. Seperti itulah musik yang menghasilkan keindahan yang istimewa dalam fisika dan arsitektur dunia di sekitar kita. Di sini bukan hanya jawaban, penawar, jika Anda mau, untuk kekakuan serialisme, tetapi juga obat untuk kecerobohan komposisi kebetulan yang tidak dibatasi. Inilah jalan keluar dari kebuntuan yang dihadapi komposisi di tahun 1960-an. Pertanyaannya seharusnya bukan metode apa yang digunakan untuk menulis, karena itu hanya mengarah ke gang buntu (serialisme, kebetulan atau mundur), tetapi mengapa menulis? Apa yang ada di alam semesta musik yang dapat membuka jalur yang belum dieksplorasi, jalur yang mengungkapkan sesuatu yang menggerakkan jiwa? Apa cara terbaik untuk mencapai itu?

Jika kita mengabaikan pencarian jalan yang unik dan tantangan, kita akan menjadi generasi pertama dalam musik yang menyatakan bahwa gerakan mundur adalah kemajuan; itu lebih sedikit lebih banyak. Namun para rasul post-modernisme akan membuat kita percaya akan hal itu! Mereka berpendapat bahwa masyarakat telah menolak modernisme; publik telah menganggap modernisme bangkrut. Pasca-modernis akan memikat Anda ke dalam perangkap bahwa, karena kerumitannya yang tak terbantahkan, serialisme hanya menjanjikan kehancurannya. “Satu-satunya jalan menuju modernisme adalah kompleksitas yang steril; kita perlu membasmi ini, dan kembali ke kesederhanaan. Jika tidak, kita tidak akan memiliki produk yang dapat dijual.” Inilah pemikiran yang memberi kita minimalis, kerabat terdekat dengan ‘muzak’ yang bisa disulap dalam seni-musik. Seorang komposer, yang pernah menjadi avant-gardist, sebenarnya meminta maaf atas modernitasnya yang dulu, di atas panggung, kepada penonton, sebelum menampilkan karya post-modern terbarunya!

Ada sebuah prasasti di aula sebuah biara di Toledo, Spanyol: “Caminantes, no hay caminos, hay que caminar” (peziarah, tidak ada jalan, hanya perjalanan). Ini adalah mercusuar bagi salah satu peziarah paling berani dalam sejarah musik – pejuang kebebasan untuk pikiran, tubuh, dan telinga: Luigi Nono. Teladannya dapat membantu kita semua dengan baik. Dia mengekspos dirinya pada bahaya besar sebagai pejuang melawan segala jenis penindasan, tidak terkecuali dari semua jenis musik. Butuh keberanian untuk mencipta. Ini tidak seharusnya mudah! Tidak ada hal berharga yang pernah ada. Bagi saya, contoh Nono berfungsi sebagai antitesis dari komposer sebelumnya.

Saya memeriksa sejarah musik abad ke-20 untuk menemukan petunjuk mengapa komposer tertentu menghasilkan lebih banyak kegembiraan daripada yang lain. Mungkinkah komposisi berbasis suara telah berkembang secara intuitif sejak abad ke-19? Apakah sudah ada cukup lama, tetapi tidak dikodifikasi secara eksplisit seperti itu? Saya merasa begitu. Sampai batas tertentu, akar dari ide ini dapat ditemukan dalam apa yang disebut nasionalisme para komposer seperti Bartók dan Janacek. Nasionalisme telah mendapatkan reputasi yang buruk karena ramuan sederhana dan lucu yang biasanya berbau harum di lingkungannya. Tetapi, setelah direnungkan dan ditelaah, upaya yang lebih keras dalam komposisi kebangsaan menghasilkan buah yang luar biasa. Perhatikan terutama perangkat Bartók yang sangat orisinal dengan nada dua belas nada (misalnya, posisi sumbu dan akord khusus). Kurang terkenal, tapi penting juga, adalah infleksi vokal folk khusus yang ada dalam musik Janácek. Kualitas khusus ini menyebar dari vokal ke tulisan instrumental. Jadi tampaknya kami dapat membuat alasan yang kuat untuk komposisi berbasis suara (komposisi yang berfokus pada kualitas suara khusus) yang berakar pada musik pada pergantian abad ke-20.

Proses penciptaan adalah fokusnya; bukan pengagungan suara dangkal yang hanya meniru musik asli. Pengembalian cita-cita Xenakis, Nono, Scelsi dan Estrada menjadi sangat penting. Pengakuan atas tren ini, dalam preferensi terhadap tren yang lebih lancar dan mudah menarik yang dianut oleh Penderecki, Ligeti dan lainnya, harus dipastikan. Daya tarik musik cluster yang mudah harus dilawan.

Jika kita tidak memperjelas perbedaan ini, semua yang berikut ini tidak masuk akal. Terlalu banyak orang menerapkan modernisme pada apapun yang ada di abad ke-20 yang mengandung sedikit disonansi. Itu adalah kesalahan umum. Bagi yang lain, modernisme ada di era apapun – itu yang terjadi pada waktu tertentu, dan cocok sebagai gambaran musik di era itu. Ini juga salah karena keengganannya untuk menghadapi proses kreatif.

Kita tidak boleh menyerah pada deskripsi impulsif ini, karena melakukan itu membuat upaya mendalam abad ke-20 menjadi tidak berarti. Ada benang merah dalam musik yang memenuhi syarat untuk dianggap modern, atau modernis, dan ini bukan hanya kerangka waktu. Modernisme adalah sebuah sikap. Sikap ini muncul secara berkala dalam sejarah musik, tetapi paling efektif dipahami dalam konteks kreativitas, moe, fokusnya reaksioner. Karya eksperimental Schonberg, Berg, Webern, Bartok, Varese, dan beberapa Stravinsky, berwawasan ke depan, karena musik bukanlah solusi tersendiri: ia menyediakan template untuk pekerjaan dan eksplorasi lebih lanjut ke area itu. Terlebih lagi, karya Cage, Xenakis, Scelsi, Nono dan Estrada.

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *